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técnicas básicas para aprender a dibujar como un profesional

Por Carol Arán

 

Para aprender a dibujar profesionalmente, independientemente del camino específico que elijamos (si es que nos quedamos sólo con uno), tenemos que dominar las técnicas básicas. Crear unos pilares sólidos sobre los que ir construyendo con seguridad nuestro propio camino. A veces es necesario incluso desandar el recorrido cuando nos consideramos ya experimentados, para despojarnos de los vicios adquiridos con el tiempo y reencontrarnos con las técnicas básicas de dibujo. Practicar un ejercicio de deconstrucción que nos devuelva a la raíz de nuestra experiencia, que nos recuerde de dónde venimos para volver a empezar. Por eso a continuación haremos un repaso a algunos de los tips útiles y de los recursos fundamentales para llegar a convertirse en un excelente dibujante creativo:

 

1- APRENDE A DIBUJAR CON LÁPIZ.

 

El dibujo a lápiz es la semilla inicial y más imprescindible, el punto de partida de entre todos los pasos para dibujar. Como material, el grafito ofrece diferentes grados de dureza que conviene tener en cuenta para aprovechar toda su gama de intensidades. El lápiz nos permite gran facilidad en el ejercicio del sombreado, el brillo y los reflejos, que posteriormente podremos aplicar a otras técnicas. También es necesario poner atención a la elección de un papel apropiado para nuestro material; el mercado actual brinda todo un abanico de posibilidades de formatos, gramajes y acabados entre los que escoger. Emplear un papel libre de ácido evitará el probable tono amarillento del soporte en el futuro. El uso del lápiz y el papel puede ser enriquecido y ampliado con herramientas como el difuminador o la goma de borrar (goma clásica, goma moldeable, goma eléctrica).
Pero lo más importante para mejorar tu técnica de dibujo a lápiz es ponerla en práctica de forma continua. Dibujar a diario, experimentar en diferentes formatos y con distintos tipos de trazado hasta conseguir el trazo suelto de la mano alzada. Trabajar sin pausa en ejercicios de escala, encaje, perspectiva y proporción; dibujar del natural y de fotografías todo tipo de elementos y composiciones, particularmente lo que resulte más complicado o menos apetecible a primera vista. Ejercitar la mirada sin acomodarse, prestar atención a las formas básicas y a los detalles, a los diferentes planos de profundidad, a las luces, las sombras, la intensidad, la composición. Practicar el dibujo de la figura humana, del retrato, de la anatomía animal, dibujar paisajes y bodegones, texturas y capas de sombreado, objetos desde diferentes ángulos. Una vez que domines la técnica del lápiz de manera fluida a partir de imágenes tomadas de la realidad, tendrás en tu poder la llave que te abrirá el resto de las puertas, y las herramientas para dibujar incluso lo que sólo tú puedes ver.

 

2- EL ARTE DE LA ACUARELA. UNA TÉCNICA IMPRESCINDIBLE PARA LOS QUE SE INICIAN EN EL DIBUJO.

 

Experimentar con la acuarela es el segundo de nuestros principales consejos para mejorar tu técnica, de la mano ya de los pigmentos y el color. Para una toma de contacto, los principiantes pueden practicar con los lápices y ceras acuarelables, que permiten familiarizarse con el color al agua sin el dominio del pincel. Las pinturas de acuarela pueden adquirirse con forma sólida en pastillas o godets (sueltas o en estuche), así como en formato líquido y en tubo. La elección del papel para esta técnica es esencial para evitar encharcamientos y arrugas; es imprescindible el gramaje superior (en torno a los 300g/m2), y el acabado ligeramente rugoso para evitar que la pintura resbale por la superficie. Un complemento ideal es la cinta para papel de acuarela, que nos ayuda a tensar el soporte y evitar ondulaciones. Al igual que con el papel, hay que tener en cuenta que, si la cinta no es libre de ácidos, posiblemente los bordes de nuestro soporte terminarán amarilleando. En la actualidad existen cintas adhesivas para artistas, libres de ácidos y con garantías de buen funcionamiento en el pegado y el despegado (en cualquier caso, se recomienda humedecer ligeramente la cinta antes de pegarla, y no dejarla demasiado tiempo adherida al papel). En cuanto a los pinceles, se pueden encontrar de todo tipo de grosores y formas según las necesidades; existen incluso pinceles con depósito, que pueden utilizarse para facilitar la precisión.

Una vez que hemos aprendido a dibujar bien, la acuarela es el medio más sencillo para iniciarnos en el color líquido. Se diluye con agua y ofrece una particularidad única y muy atractiva si se le sabe sacar partido, las transparencias. Esto nos permite trabajar con diferentes tipos de opacidad e intensidad, según lo diluido que esté el material, y/o las diferentes capas que se apliquen. Otra característica de la acuarela es la rapidez de su secado; para pintar bajo este condicionante podemos elegir entre dos opciones, o combinar ambas: trabajar en húmedo de manera rápida y precisa, y trabajar en diferentes capas conforme éstas se van secando. Al igual que con todas las demás técnicas artísticas, el principal secreto para dominar la acuarela es practicar y ejercitar: investigar los tipos de trazados, opacidades e intensidades, trabajar los degradados, crear desde líneas o desde manchas, copiar del natural… Una vez conocidas todas sus posibilidades, podemos apoyar o combinar las acuarelas con otras técnicas (lápices, rotuladores, plumas, etc.), de forma que iremos ampliando cada vez más nuestro repertorio de recursos para convertirnos en todo un profesional del dibujo.

 

3- LA VERSATILIDAD DEL COLLAGE. APRENDE A DIBUJAR CON ESTA COMPOSICIÓN CREATIVA.

 

Pero no todo es saber cómo dibujar. Si bien el collage no es en sí una técnica de dibujo o pintura, supone un medio muy útil tanto para desarrollar nuestra creatividad como para enriquecer y complementar las anteriores técnicas. El collage (que, con los recursos actuales, podemos también llevar a cabo de manera digital), consiste en componer imágenes a partir de recortes de otras imágenes ya terminadas, dando como resultado una obra nueva. Es una técnica plural y versátil, y como tal puede valerse de todo tipo de materiales (tela, fotografías, recortes de prensa, ilustraciones, cartón, objetos…) y soportes (papel, lienzo, tabla, cartón, etc.), siempre que se empleen los elementos fijadores necesarios (cola, barras de pegamento, cinta adhesiva, silicona líquida).

Esta pluralidad de posibilidades hace del collage una herramienta muy utilizada para desarrollar la imaginación, mezclar lenguajes gráficos y dejar fluir la creatividad de forma abiertamente libre. Podemos realizar un collage como una obra en sí, o ponerlo al servicio de la técnica mixta y aplicarlo a otros medios. Por ejemplo, utilizándolo como boceto y modelo para un dibujo, o integrándolo en pinturas, ilustraciones, y toda clase de obras artísticas.

 

4- APRENDE LAS TÉCNICAS DE DIBUJO DIGITAL CON PHOTOSHOP E ILLUSTRATOR.

 

Si algún día llega una enorme tormenta solar que nos lleve a un apagón, podremos seguir creando mientras utilicemos las anteriores técnicas. Mientras el apagón no nos alcance, tenemos también en nuestros tiempos el utilísimo recurso del dibujo digital, con herramientas como Photoshop e Illustrator. Es importante no olvidar que, igual que ocurre con otras herramientas, es esencial conocer las mejores técnicas de dibujo tradicional antes de sumergirnos en territorios digitales. Una vez introducidos en la opción digital (que siempre es susceptible de ser combinada con las manuales), descubriremos algunas diferencias entre los dos softwares más utilizados (mencionados anteriormente).
Photoshop se usa principalmente para retoque de gráficos y fotografías, y trabaja a partir de píxeles y sus correspondientes resoluciones. Al no trabajar con vectores, la modificación de líneas y formas está muy limitada, sin embargo es una herramienta ideal para trabajar con luces y sombras sin la clásica apariencia plana del sombreado digital. Si bien Photoshop no es una herramienta diseñada para el dibujo, puede ser muy útil a la hora de dar color, efectos y retoques a nuestra obra inicial hecha a mano. Illustrator en cambio sí es un editor destinado a la creación artística, que trabaja con vectores en un tablero llamado “mesa de trabajo”. Al basarse en gráficos vectoriales, permite la creación y modificación sin problemas de resolución o escala, y la libertad de trabajar en cada punto de la línea. Quizás la única desventaja en cuanto a herramientas para el dibujo digital de Illustrator frente a Photoshop sea que no consigue efectos tan espectaculares de sombras y luces, y su resultado en este aspecto sea algo más plano.

 

Además de estas dos herramientas, tal vez las más conocidas, la revolución digital permite que cada año se multipliquen las opciones digitales. Algunos de los últimos avances son la nueva tableta gráfica Wacom Cintiq, con un sistema optimizado para los creativos principiantes, o las últimas versiones de las aplicaciones Procreate o Sketchbook para dibujar en iPad.
Afortunadamente, nunca se termina de aprender a dibujar. Siempre queda algún cabo suelto en los fundamentos del dibujo para convertirse en un profesional de la materia, y eso nos da un hermoso par de alas contra el estancamiento. Son tantas las cuestiones a explorar en este territorio, tan numerosas las herramientas de dibujo que tenemos hoy día, que quien se adentra en él sabe que el aprendizaje continuo es en sí mismo una motivación para dibujar.

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